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Shabastet

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Noureev

 

Danser, telle la phalène sous la lune, le pinceau du calligraphe, ou l'atome dans l'infini 

                                              

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18 juillet 2017 2 18 /07 /juillet /2017 08:04
Hannah O'Neill - Vincent Chaillet : la Sylphide ( Pierre Lacotte) 16 juillet 2017 Palais Garnier

N’ayant pu pour différentes raisons assister à aucune Sylphide prévue, j’avais pris deux jours avant une place pour voir la distribution O' Neill, Chaillet, Colasante sans  autre attente que celle de revoir un ballet qui m’avait vraiment émue lorsque je l’avais revu 13 ans plus tôt dansé par Ganio-Ciaravola après l'avoir boudé lors des précédentes reprises car, faut d’interprètes convaincants, je m’étais ennuyée. La représentation du 16 juillet a été bien au-delà de ce que j’espérais et je suis ressortie du Palais Garnier des ailes au pied, voletant au dessus de l’asphalte brûlante, sans même me rendre compte que Paris grouillait de monde, de chaleur et de bruit parce que j’étais encore au cœur de la forêt profonde, émue par le destin tragique de  James et de la pauvre Sylphide. Mais je raconte cette histoire à l’envers.

Tout au long du 1er acte, James, déchiré entre ses deux amours lutte contre lui-même pour ne pas sombrer dans la folie. C’est un être tourmenté, qui n’entend pas se laisser séduire par ses propres chimères et se raccroche de toutes ses forces à Effie, sa fiancé, qu’il aime tendrement et à qui il ne souhaite surtout pas faire de mal. Si par colère, il met à la porte la sorcière venue lui annoncer qu’il n'épousera pas la fraîche Effie, c’est parce qu’il sait que la vieille femme a raison et  qu'il tente par ce geste dérisoire de reprendre le contrôle de lui-même. Il s’efforce d’opposer au monde irréel qui l’attire comme un aimant et causera sa perte, - tout comme l’Onuphrius de Théophile Gautier,- le monde rassurant de sa demeure, de ses amis, de sa vie simple mais concrète. Mais toutes ses résolutions cèdent sous le charme évanescent de la Sylphide qui lui laisse entrevoir un monde d’une poésie infinie dans lequel elle veut l’emmener bien qu’il tente toujours de lui résister.  

La composition de James  de Vincent Chailley est donc loin du jeune homme rêveur de Mathieu Ganio par exemple, mais tout aussi convaincante. Vincent Chailley possède un ballon impressionnant, une belle présence scénique, des pirouettes d’une grande rapidité d'exécution, des sauts d’une belle élasticité qui met en valeur ses longues lignes, de l’énergie.  Il s’est engagé de toute son âme dans son personnage qu’il a rendu touchant car on le voit lentement sombrer peu à peu dans un rêve qui ne le mènera qu’au malheur.

 

 À ses côtés,  Effie-Colasante a tout ce qu’il faut pour le rassurer : de cette fiancée attachante, bonne fille, émane un petit air frais campagnard qui ancre James dans sa vie présente et doit lui faire le plus grand bien. Effie danse avec un naturel confondant de simplicité et de tendresse, ce qui permet un contraste saisissant avec la fille de l’air qu’incarne l’extraordinaire Hannah O ' Neill. Cette dernière  est sans doute arrivée par la fenêtre, par hasard,  poussée par  un courant d’air et, comme Tribly, a  jeté son dévolu sur James sans raison. Elle s’est attachée à lui et trouve naturel qu’il fasse de même, abandonnant tout pour  lui consacrer chaque seconde de sa vie. Hannah O Neil est une Sylphide simple, presque naïve, qui  ignore tout du monde de James et ne s’y intéresse d’ailleurs pas du tout. Au dessus de ses pieds qui effleurent à peine le sol dans une batterie vertigineuse et une succession de petits pas à la précision millimétrique et pourtant d’une infinie poésie, le buste ondoie souplement comme les branches d’un grand saule tandis que  la jupe blanche flotte comme la corolle de grandes fleurs bercées par le vent. Hannah O Neil est l’incarnation parfaite de la poésie, de la douceur, du rêve, de la beauté, du féminin inaccessible.  Immatérielle, désarmante parce qu’elle semble à peine avoir conscience d’elle-même, elle n’est heureuse qu’en étant près de son James chéri et le serait plus encore s’il voulait bien la suivre dans la forêt.

Ces trois artistes ont donné une intensité dramatique poignante à la fin du 1er acte, lorsque James, déchiré entre les deux modèles du féminin, blesse sans le vouloir Effie qui ne comprend pas se passe.  Bien qu’il tente de toutes ses forces de repousser la Sylphide, il finit par succomber presque malgré lui à son appel et laisse sa fiancée éplorée. Et à cette intensité dramatique faisait écho une beauté visuelle à couper le souffle : un véritable instant de grâce artistique servie par trois artistes qui se mettent en valeur l’un l’autre pour notre plus grand plaisir de spectateur.

 

Hannah O'Neill - Vincent Chaillet : la Sylphide ( Pierre Lacotte) 16 juillet 2017 Palais Garnier

Au second acte, dans la forêt, Hannah O'Neill  tout à son aise, oublie trop souvent que son amoureux  n’a pas d’ailes pour la suivre dans les arbres.  Et voilà James à nouveau déchiré après avoir goûté quelques rares plaisirs à danser près de celle qu’il aime  dans la clairière,  réalisant tout à coup qu’il a tout abandonné pour aimer un être volatile, impalpable, insaisissable qui ne lui offre que l’illusion de l’amour. Chaillet est très expressif : son visage exprime tour à tour la joie, l’amour, le désarroi, la désillusion, la consternation, la colère, les reproches qu’il se fait à lui-même. Toutes les affres de la condition d’un humain qui rêve de l’autre monde mais ne peut le rejoindre s’inscrivent sur son visage et le rendent terriblement touchant.  Comprenant que malgré tout son amour et sa bonne volonté, le monde de la Sylphide lui reste inaccessible, il s’en remet alors à la méchante Sorcière-Houette (qui a réjoui le public avec ses mimiques) qui lui laisse croire qu’il pourra aimer la Sylphide comme une femme.

Privée d’ailes à cause de l’écharpe maléfique, la Sylphide meurt sous ses yeux comme elle est née : sans le vouloir, presque sans le savoir, dans un léger souffle de vent. Ce qui la peine le plus n’est pas la perte de ses ailes qui la chagrine à peine, ni sa propre mort qu’elle accepte, mais ses adieux à son James chéri, tellement malheureux et qu’elle essaie de consoler avec le peu de forces qui lui reste.  Elle regarde ses ailes en acceptant son destin puis s’effondre sur le sol, comme ses papillons blancs au jardin à la fin de l’été, qui tentent quelques derniers battements d’ailes avant que le vent ne les emporte au loin, sans vie et comme fanés.

 

Le corps de ballet fut impeccable, tant pour la poésie des Sylphides – quel magnifique travail d’ensemble – que pour les danses enjouées des Ecossais.

Le chef a su tirer le meilleur parti de l’orchestre, malgré des cuivres calamiteux.

On entend déjà dans la partition les futures échos de Giselle et aussi de Sylvia. (Thème d’Aminta à la flûte).

 

Je reviens sur les deux artistes Vincent Chaillet, premier danseur,  qui campe toujours des personnages très travaillés. C’est d’autant plus admirable que la plupart du temps, il ne danse qu’une seule fois le rôle-titre, qu’il aborde donc tout neuf sur scène mais qui montre à chaque fois une vraie intelligence car cet artiste apporte toujours quelque chose de personnel à ses personnages. En outre, sa technique est vraiment très belle.

 

Quant à Hannah, et bien elle éclipse pour moi toutes les étoiles actuelles. D’ailleurs, Pierre Lacotte l’adore. Sa Paquita était pleine de fraîcheur,  son Odette poignante et son Odile fascinante. Sa Titania, ce printemps, était un pur  délice d’humour et de féminité.

Elle n’a que 24 ans, est une véritable virtuose, et surtout a ce petit quelque chose de plus qui ne s’acquiert pas par le travail. Sa danse d’une beauté à couper le souffle, possède autant de force que de douceur   parce ses bras, son buste, son cou sont complément libres par rapport au puissant travail des jambes et des pieds, ce qui fait qu’on ne voit jamais le moindre effort.

Hannah O'Neill - Vincent Chaillet : la Sylphide ( Pierre Lacotte) 16 juillet 2017 Palais Garnier
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1 janvier 2017 7 01 /01 /janvier /2017 10:47
Léonore Baulac nommée étoile le 31 décembre 2016

Léonore Baulac nommée étoile : Aurélie Dupont crée son équipe (deuxième !)

 

La nouvelle était attendue depuis pas mal de temps et lorsque le nom de Baulac a figuré sur la distribution en date du 31 décembre, les rumeurs se sont amplifiées ; elles n’ont pas décru même après la nomination de Germain Louvet le 28 décembre. Ces deux artistes ont d’ailleurs dansé ensemble les rôles de Roméo et Juliette et les personnages principaux de Casse-Noisette ( Drosselmeyer/ Prince et Clara) que nous voulions voir, car nous avons toujours adoré Léonore, mais cela n’a malheureusement pas été possible.

 

Il est remarquable de se rappeler que dans l’émission « La danse à tout prix » qui date de 2012, suivre ce lien pour lire l’article correspondant - cette danseuse qui préparait le concours passait son grade de coryphée pour la 4ème ou 5ème fois sans se décourager. Elle était guidée par Aurélie Dupont pour le rôle du Cygne noir, et la petite séance de travail filmée en disait long sur la ténacité, la pugnacité de cette artiste. Elle ne changera pas de grade cette année-là non plus, mais à partir de 2013, tout va s’enchaîner pour elle : elle passé coryphée, puis sujet en 2014, et enfin première danseuse en 2015 ; elle a 25 ans. Heureusement, malgré ces années difficiles, elle a déjà abordé un certain nombre de rôles, car B. Lefèbre tout comme B. Millepied l’ont généreusement distribuée ce qui a permis au public de ces trois dernières années d’avoir eu de multiples occasions de la voir, soit dans le corps de ballet, où on la remarque toujours, soit dans un petit ou grand rôle ; on se souvient par exemple très bien de sa Fée dans la Belle au bois dormant, toute d’ incandescence féérique, de sa présence lumineuse dans le Chant de la Terre de Neumeier, ou encore de sa danse flamboyante dans le Daphnis et Chloé de B Millepied.

Et même dans l'affreux Nuit transfigurée de ATDK, elle irradiait aux côtés du blond Karl Paquette!

 

La Saison dernière, on a pu la découvrir dans le rôle de Juliette, aux de M Heymann, MO Braham s’étant malheureusement blessée ; elle a donc remplacé au pied levé la Ballerine et a incarné une Juliette " garçon manqué" dans le sens où élévée au milieu des querelles et des combats quotidiens, la jeune fille a acquis un caractère fort,tout de passion, qui comme ses pères ou cousins, prend les rênes de son destin en mains.

 

Ce qui enchante en elle, c’est cette façon si personnelle de s'exprimer en scène. Il y a en elle un contraste saisissant entre son visage elfique, sa grâce cristalline, son apparente fragilité qui cache en réalité une énergie peu commune et une grande force. Léonore danse comme si sa vie en dépendait. Elle est toute de générosité, de spontanéité, très vive. C’est une travailleuse acharnée que l’échec n’amollit pas. Elle est toujours prête à relever les défis, et se plaît autant dans le registre contemporain que dans les rôles classiques.

Tout cela a dû séduire Aurélie Dupont qui la connaît bien, et doit saluer sa capacité de travail hors norme, ainsi que sa très grande sensibilité, que possède également la directrice de la danse.

 

En même temps qu’elle en 2015, une autre artiste a été promue Première danseuse, Hannah O Neill que nous adorons pour la perfection de son placement, de ses lignes, pour son élégance et sa classe exceptionnelle, pour sa grâce d’une beauté froide, sa technique précise, toutes qualités qui signent les Etoiles. On ne pourrait imaginer deux personnalités plus opposées : l'une tout de chair et de sang, l'autre, presque surnaturelle mais très solide techniquement. Deux beautés différentes, deux artistes attachantes. Nous espérons que la seconde accèdera aussi au titre suprême. 

Les Saisons prochaines, très avares en ballets narratifs lui permettront de danser si elle le souhaite la Sylphide, à qui elle donnera beaucoup d’esprit, Kitri qui sera pleine de panache et de verve latine, et sans doute Tatiana, dans lequel il sera difficile d'oublier Isabelle Ciaravola!

 

On se réjouit donc de l’étoilat de cette artiste attachante, qui montre sur la vidéo de sa nomination une humilité sincère et touchante. Que les 16 prochaines années soient pour elle emplies de découvertes, de rencontres chorégraphiques, de rôles qui lui apporteront tout le bonheur de danser qui est le sien et la couronneront véritablement « Etoile de l’opéra de paris ».

 

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29 décembre 2016 4 29 /12 /décembre /2016 10:38
photo sur le site de l'ONP

photo sur le site de l'ONP

Germain Louvet nommé étoile

 

 

La nouvelle flottait dans l’air depuis quelque temps puisque Ariane Bavelier avait platement -mais l’annonce n’en était pas mon claire pour autant -  titré son papier sur le Lac du 25 décembre : « Un Prince est né » anticipant donc la nomination de ce jeune danseur de 23 ans, tout fraîchement promu premier danseur.

 

La première remarque que l’on peut faire, c’est que Dame Dupont a du caractère ; comme un Noureev autrefois, elle utilise la hiérarchie  et la  contourne en même temps ! Elle nomme bien un premier danseur, donc elle la respecte, mais celui-ci n’a pas encore pris ses fonctions, donc elle la contourne ! Il y a eu des antécédents à ce genre de nomination : Guillem avec Noureev par exemple. Héhé ! Voilà ce qui s’appelle être un capitaine ! 

 

La deuxième, c’est qu’elle veut absolument se démarquer des directeurs et directrices qui l’ont précédée : pour former sa nouvelle équipe, elle va donc puiser dans les nouveaux talents émergeant et non dans les premiers danseurs déjà en place. Elle passe donc allégrement au dessus des Alu, des Marchand et des Raveau qui portent ce titre depuis quelques saisons et attendent….

 Louvet, jeune sujet fraichement promu premier danseur au concours de novembre dernier,  correspond à ce qu’on appelle un danseur noble, dans la lignée d’un Mathieu Ganio ou d’un JG Bart.  Physiquement, ils sont longilignes, ont des lignes infinies, et un air de noblesse qui signe les princes des ballets classiques

 

Dame Dupont a déclaré vouloir nommer les étoiles jeunes, ce qui est normal, puisque les danseurs sont des sportifs de haut niveau qui atteignent leur maturité technique autour de  20-25 ans environ ; elle-même, a-t-elle déclaré, n’était pas prête quand elle a été nommée ; cette femme courageuse, qui a dansé après avoir subi une opération du genou, a travaillé toute sa vie, et on a vu à quel point sa personnalité artistique s’est développée tout au long de sa carrière ; si on l'a peu aimée dans certains rôles, à cause de son côté trop sage, son Ombre des Mirages ou sa Sylphide restent nos plus beaux souvenirs. Elle sait qu'il faut du temps pour devenir une étoile complète ; on peut l'être techniquement à 20 sans l'être artistiquement. Etre promu étoile après 28 ans n'a pas de sens pour elle ; et pourtant, on ne compte pas le nombre d'étoiles que B Lefèvre a nommées après cet âge. Pourtant, les danseurs savent qu'on ne peut plus progresser techniquement, et aborder les grands rôles après cet âge si on ne les a pas déjà fait siens avant devient plus difficile, le corps ne les ayant pas digérés, mémorisés, intégrés. Retravailler un grand rôle abordé jeune puis  dansé des dizaines de fois ne pose pas de problème à 35 ans alors qu'il en pose si c'est à cet âge là qu'on l'aborde pour la première fois.  Alice Renavand, par exemple, est l'exemple type de l'étoile nommée trop tard ; après une série de Don Quichotte, elle renonça purement et simplement au classique.... du gâchis pur. C'est ainsi qu'on finit avec des étoiles - hors karl Paquette - qui dès 32 ans, ne dansent plus que du contemporain. Quand on sait que Margot Fonteyn dansait encore Juliette à 57 ans on Pontois la Belle au bois dormant à près de 50 ans...

 

La troisième, c’est qu’elle lance un message clair : retour du classique à l’ONP !

 

Mais, mais, mais, me direz vous ? Et la saison à venir ? Il n’y a qu’un Noureev  et la fille mal Gardée, avec entre les deux un Onéguine ?

Cette saison a sans doute été dessinée en partie par Millepied et en porte encore sa marque ; Aurélie Dupont n’a sans doute pu faire que quelques ajustements ; et c’est ce qui explique que l’on trouve une œuvre de Millepied l’an prochain ; les plannings des artistes se font des années à l’avance et pour les chorégraphes, c’est la même chose ; Dame Dupont n’a sans doute pas pu créer la saison idéale qui paraîtra vraisemblablement pour 2017/2018. Car être directeur veut dire passer une bonne partie de sa journée à téléphoner pour accorder les plannings... En nommant un danseur " noble", elle annonce la couleur de ce que sera ses futures saisons.

 

Ce Germain Louvet, alors, c’est bien, sa nomination ?

 

Nous avons vu son Siegfried le 25 (prise de rôle), qui possède des qualités de danse « à la française » indéniables ; sa variation mélancolique était superbe techniquement parlant.  Mais à 23 ans, sans jamais avoir encore abordé de grands rôles, son personnage était bien lisse ! La personnalité n’a pas encore éclos ; il faut donc espérer que ce jeune danseur va pouvoir au gré des années qui viennent renforcer sa technique encore un peu fragile – il a encore quelques années pour cela – mais surtout aborder suffisamment de personnages pour que son potentiel artistique puisse éclore ; pour cela, il lui faudra un bon coaching et une distribution intelligente qui ne le fera pas aller d’une salle à l’autre ( Bastille et Garnier n’ont pas les mêmes pentes ni les mêmes sols, et les dos des danseurs en souffrent en premier) ni passer d’un chorégraphe contemporain à un classique dans le même mois ( ce qui a été le cas encore cet hiver )

Il faudra donc prendre grand soin de cette nouvelle graine pour que, à l’instar d’un Heymann, d’un Ganio, il ne se blesse pas.  Attention, je ne le compare pas à ces deux aînés, qui, à son âge, avaient déjà un fort charisme et une technique époustouflante, ce qui n'est pas encore son cas.

 

A-t-il été nommé trop tôt?

 

Et bien, pour répondre à cette question, tout dépendra de la façon dont il sera distribué l'an prochain, les rôles qu'il aura l'opportunité de travailler dans les années qui viennent, et surtout, je le répète, la façon dont il sera " coaché".  23 ans, ce n'est pas 18 ans, et Ganio qui a été nommé à cet âge, splendide, déjà, de charisme et de technique, a hélas souffert de conditions de travail déplorables qui l'ont amené à se blesser gravement; jamais depuis, il n'a retrouvé la flamboyance de la superbe technique qu'il avait à 20 ans, même s'il reste, depuis que Nicolas Le Riche est parti, mon artiste masculin préféré pour sa sensibilité, sa grâce, cette qualité d'âme qu'il dépose sur les rôles et son partenariat attentif.

 

Cette nomination affirme donc la direction qu’Aurélie Dupont veut donner à la compagnie ; on sent donc chez elle de la volonté, et une politique de danse déjà bien construite dans sa tête. Après, à tous ceux qui prétendent grâce à Louvet avoir vu pour la première fois un prince Siegfried, on leur rit au nez ! Bassesse de courtisans qui prétendent voir ce qui est médiatiquement repris à grands cris ! Et on rit plus encore de l’inculture de ceux qui n’ont probablement jamais vu Jude, Le Riche ou Legris dans ce rôle  - ce qui en soi n'est pas grave - mais affirment découvrir un Prince exceptionnel quand il n'a été qu'une jolie promesse de Prince futur...

A noter aussi, que Louvet est de la génération école de danse " Platel" et non "Bessy".

Reste à espérer qu'elle ne laissera pas en route François Alu, premier danseur, qui possède une personnalité en scène époustouflante, une solide technique, et une générosité qui lui fait honneur; j'avais d'ailleurs écrit cet article lors de sa nomination au poste de premier danseur

Souhaitons à ce sympathique jeune homme beaucoup de bonheur dans son étoilat!

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27 décembre 2016 2 27 /12 /décembre /2016 10:15
Les cygnes et le corps de ballet : véritables stars de ce 25 décembre!

Les cygnes et le corps de ballet : véritables stars de ce 25 décembre!

Sous-titre : quand un corps de ballet inspiré nous fait aimer une production qu'on n'aimait pas depuis 32 ans!

 

Les Lac se suivent mais ne se ressemblent pas. En ce 25 décembre et malgré une grippe naissante, tout ce qui avait déplu le 22 enchante. C’est curieux, mais c’est ainsi ; les spectacles vivants varient au gré des représentations. Jamais on ne voit deux fois la même chose, quand bien même on irait tous les soirs. Le corps de ballet, magique, avait reçu en ce jour de Noël ce supplément d’âme qui signe les représentations qu’on n’oublie pas a tel point qu’on se prend à aimer cette production qu’on critique depuis 1984 à cause de ses décors, de ses costumes, et des divertissements des actes I et III qu’on a toujours trouvés bien longuets. Mais ce jour-là, la magie opère et on se prend de tendresse pour les tons fanés, le décor peint ou clos, et surtout, pour le magnifique travail d’une troupe soudée qui semble retrouver un nouveau souffle. Dans ce cadre si bien dessiné, on se rappelle alors que tout est né dans l’esprit du Prince et que, comme l’écrivait un critique allemand, « nous assistons là à une lente autodestruction d'un esprit noble. (...) En fait, ce que Noureev nous offre n'est pas un drame mais une élégie, évitant toute virtuosité et brio au profit d'une simplicité et d'un flot sans fin de lyrisme et de poésie"

La Valse, précise et enlevée n’a d’égale que le panache de la Polonaise des 16 garçons ; dans cet écrin, le pas de trois présente des solistes qui rivalisent d’esprit, de musicalité, de brio : Marine Ganio insuffle à sa danse une grâce palpitante et légère comme les ailes d’un grand papillon ; sa batterie espiègle et précise nous rappelle que cette demoiselle a de l’esprit à revendre ; à ses côtés, Eleonore Guérineau oppose à un buste et des bras déliés, une danse vif-argent dans les grands sauts ; quant à Axel Ibot, sa batterie flamboyante, ses sauts avec une belle élevation et son fulgurant manège de grands jetés en tournant s’harmonisaient parfaitement avec la virtuosité de ses deux compagnes dont le plaisir de danser était communicatif!
A l’acte II, les cygnes élégiaques, lyriques, douloureusement mélancoliques se fondaient magnifiquement à la partition de Tchaïkovsky, très bien dirigée par Vello Pahn. Les quatre petits Cygnes comme les quatre grands Cygnes sont parfaits dans leurs mouvements à la fois synchrones mais poétiques et inspirés.

A l'acte III, la czardas de Fabien Révillion et Sae Eun Park est enlevée, la danse espagnole de Boulet, Gorse, Bittencourt, Ibot, pleine de fougue, la danse napolitaine de Marine Ganio et Antoine Kirscher, pleine d’esprit.

A l'acte IV, on retrouve avec émotion les cygnes émouvants pour lesquels on est plein de compassion.

 

Que dire alors au milieu de cette perfection des rôles titres, dansés par Germain Louvet et Ludmilla Pagliero qu’on avait adorée en Kitri et en Giselle ? Qu’hélas, on n’aura vu ni un Prince Siegfried, ni une princesse ou un cygne, mais un duo incroyablement plat, qui ne raconte rien et ne fait ressentir aucune émotion. On se lasse vite d’une certaine beauté esthétique ; et les équilibres tenus à l’infini par Pagliero qui se frotte à un rôle qui n’est pas pour elle, finissent par agacer tant ils coupent sans cesse le récit qui n’est absolument pas construit. Manquant pour ce rôle cruellement de lyrisme, de cette poésie toute en finesse, la danseuse escamote tous ses petits piétinés qu’on adore dans la première variation, ou les mouvements de cou qui rappellent que la princesse redeviendra un cygne avant la fin de la nuit. Siegfried, lui, arbore un large sourire tout au long du premier acte ; il est joyeux, sautillant et aimable avec tout le château. C’est un jeune gars bien de son époque, bien dans sa tête et dans son corps, et ce n’est pas demain qu’il va aller se noyer dans le Lac ! Aussi, resterait-on cruellement sur sa faim, mais voilà, l’opéra de Paris à sa botte secrète en la personne de Karl Paquette qui sauve Noël puisque Ganio et Bullion ayant déclaré forfait pour Rothbart, c’est Karl, le sauveur qui a dansé une fois de plus Wolfgang/Rothbart, et ce pour notre plus grande joie. Il faut le voir aux petits soins pour tous, présent sur le plateau tout en s’effaçant, permettant malgré tout à l’histoire d’être racontée de bout en bout. Et l’on sort en se posant une question hautement existentielle : que fera l’opéra quand Karl partira à la retraite ?

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23 décembre 2016 5 23 /12 /décembre /2016 21:04
Karl Paquette, on l'adore!

Karl Paquette, on l'adore!

Soirée du 22 décembre

Hannah O Neill, Fabien Révillion, Karl Paquette

Je n'ai malheureusement aucune photo de ces trois artistes en scène ensemble et le regrette tellement!

 

Cette soirée très inégale était marquée par la prise de rôle de Fabien Révillion en Prince Siegfried aux côtés d’Hannah O Neill dans le rôle d’Odette/Odile, déjà vue en 2015 dans ce même rôle. Inégale parce que malgré un corps ballet en forme et heureux de danser, l’enthousiasme de l’acte I est brutalement refroidi par l’arrivée de 32 cygnes surgelés, tout droit sortis d’un camp de redressement en Sibérie, que des travaux forcés ont rendu en tous points semblables aux esclaves robotisés du Métropolis de Fritz Lang. Les 4 petits cygnes, n’ont pas été épargnés : ces pauvres automates dont les ressorts trop tendus agitent compulsivement têtes et  pieds, exécutent des mouvements étriqués et saccadés en se piétinant mutuellement dans une danse mécanique sans âme. On regrette alors douloureusement le quatuor Ould Braham, Gilbert, Froustey et Fiat de 2006, se demandant quel maître de ballet sadique a pu réduire au motif de « papier peint » ces cygnes qui sont la splendeur de ce ballet. Du massacre pur… 

Au 3ème acte, la Czarda de Séverine Westermann et Cyril Mitilian nous ramène vers la danse : ils sont très énergiquement et joliment entourés et nous aide à supporter les chorégraphies plates qui se succèdent. Le reste paraît un peu long malgré la conviction avec laquelle dansent les artistes et les solistes. Le divertissement bavard se clôt par la gracieuse et très féminine danse des fiancées.

 

Karl Paquette,  Rothbart ou Wolfgang, qui connaît le rôle sur le bout de la cape,  apporte mille détails à ce personnage à l’ombre machiavélique. Tour à tour inquiétant, féroce, brutal, énigmatique, il manipule un virginal prince Siegfried  qui s’efforce de plaire à son précepteur sans comprendre – ou oser comprendre- ce que Wolfgang attend de lui. Dans leur premier duo d’une intimité troublante, ce jeune élève appliqué au regard éloquent, s’efforce d’apprendre une chorégraphie dont le sens l’effraie. Pudique, modeste, assumant mal son titre de Prince et ses désirs profonds, il se soumet facilement aux autres. Dans le pas de deux suivant, dérouté par la rudesse avec laquelle Wolfgang le projette sur le sol, il lève douloureusement la tête sans se révolter, confiant à son regard candide une interrogation poignante. Aussi, n’est-on pas le moins du monde étonné que, lorsqu’il rencontre la princesse Odette, il se plie aux désirs de celle-ci et lui  offre spontanément une promesse d’amour éternel.

Le Prince Siegfried  de Fabien Révillion est un cœur tendre, touchant par son inexpérience. On avait, les saisons passées, aimé son Benvolio  bon camarade, qui donnait une réplique tempéré à un Roméo trop impulsif ou à un Mercutio trop bagarreur ; on avait été émue par l’homme blessé du Chant de la Terre, tout en quête d’absolu, qui se heurte  à la rudesse du monde ; on avait apprécié la danse ciselée et raffinée de son Des Grieux, dans la Dame aux camélias. Mais surtout, on avait pleuré son Lenski, jeune poète de 20 ans blessé à vif par la futile Olga mais plus encore par son ami Onéguine, détestable ce soir là qui le pousse à bout et provoquera une mort d’une injustice insoutenable. On adore son prince Siegfried, humain, vulnérable, pas armé pour le monde dans lequel il vit.

Tout au long des 4 actes, Fabien Révillion insuffle au Prince Siegfried candeur, rêverie, innocence ou passion. Il est toujours juste. La construction du personnage, intelligente et  tout en finesse, est soutenue par une danse tour à tour modeste (1ere variation), spontanée et puissante (acte III) ou bien douloureusement lyrique ( acte IV) Partenaire attentif, chaque pas ou geste exprimant un sentiment, une pensée, une émotion. Un travail d’interprète remarquable et parfaitement abouti, servi par une technique sûre qui devient flamboyante quand c’est nécessaire.

Avec Bézard, chant de la terre, Neumeier

Avec Bézard, chant de la terre, Neumeier

Pour son deuxième Lac, la charismatique Hannah O Neill, à la danse belle comme un matin de givre, est moins convaincante que l’an passé : à vouloir devenir une Odette toute de douceur et de fragilité, sa danse perd en sincérité. Être une princesse Leia lui allait mieux. Dans l’acte III, renonçant à la séduction mutine de 2015, elle s’essaie à une perfidie mesurée. Ce compromis ne convainc pas non plus. Heureusement, la danseuse parvient enfin au IVème acte à trouver le ton juste, et l’osmose avec son partenaire devient totale : les deux nous offrent un ultime pas de deux déchirant de douleur et de larmes au milieu de cygnes qui tout à coup, retrouvent un peu d’âme eux aussi.

Découvrir le Siegfried de Fabien Révillion a été un vrai cadeau de Noël.

Ainsi, malgré l’imperfection de cette soirée, emporte-t-on à la maison un trio d’artistes qui nous ont raconté à trois voix l’un des contes à double fond les plus tragiques qui soient et on les en remercie du fond du cœur.

Hannah O Neil, avec Y Bittencourt, 2015

Hannah O Neil, avec Y Bittencourt, 2015

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18 juin 2016 6 18 /06 /juin /2016 09:09
Photo Joelle Bonnet

Photo Joelle Bonnet

La beauté de cette soirée du 14 tenait plus à la beauté de la danse en elle même et à cette douceur,  à cette tendresse qui émanaient des deux protagonistes, plutôt qu'à la justesse des personnages : Ni Ould Braham ni Heymann ne sont véritablement Giselle ou Albrecht, mais leur danse est si belle, ce sont deux artistes  si  sensibles, avec une danse si moelleuse, d'une si grande fluidité et légèreté que c'était vraiment magnifique à voir!

On ne peut avoir que le souffle coupé par la gracilité, la finesse de la danse d'Ould Braham, et par l'engagement total de Heymann! Quand il s'écroule sur le sol, c'est par fatigue véritable, il arrive au bout de lui même, et en ce sens, il finit par rencontrer "Albrecht".

 Ould Braham n'est pas, dans ce choix d'interprétation une jeune âme trépassée qui protège celui qui l'a trahie pour la simple raison qu'Albrecht est bien trop amoureux d'elle, dès le premier, acte pour qu'on croie à une trahison ; on a plutôt l'impression que Loys a été où son coeur l'a conduit, et qu'il s'est retrouvé sottement piégé par l'arrivée impromptue du Duc de Courlande et de sa fille Bathilde, la fiancée d'Albrecht. Toute la pantomime du premier acte était d'une grande lisibilité avec des choix très affirmés chez tous les protagonistes quitte à prendre une certaine liberté avec le livret, et c'est ce qui m'a plu : Heymann et Ould Braham incarnent jusqu'au bout les personnages qu'ils ont choisi d'êtreet les portent avec toute la puissance de leur coeur, de leur être,  même si c'est une lecture un peu à " contresens" du  livret; peu importe : c'est beau, authentique et habité.

Bizarement, l'Hilarion de F Alu m'a moins convaincue que celui de Vincent Chailley, sans doute parce que j'aime la rudesse de cet homme rustique, simple, touché en plein coeur par une jolie fille et qui tout à coup, trouve au fond de son coeur qui n'a sans doute jamais connu aucune tendresse, ni de sa mère, ni de ses soeurs,  de ses petites attentions qu'ont tous les amoureux à leurs débuts,  comme les lapins ou les fleurs qu'il vient déposer devant chez elle.
Grâce à elle, comme le dit Cyrano à Roxane, au moent de mourir, une " robe aura passé dans ma vie"
 

Photo Joelle Bonnet

Photo Joelle Bonnet

Hannah O Neil qui glisse sur le sol comme si elle volait, incarne une Myrtha glaciale, véritable Reine des Aulnes au féminin qui n'a pas la moindre once de sentiment humain dans son coeur de pierre; personnage fascinant, cruel, et d'une beauté surnaturelle : elle était tout cela à la fois! Ses envols ont une élévation surprenante et sont poignants d'autorité sans jamais revêtir la moindre brutalité, car Hannah O Neil est d'une légèreté absolue.

 

Photo Joelle Bonnet

Photo Joelle Bonnet

En conclusion, je dirai que Ould Braham m'a rappelé le personnage de Cristina Ricci dans Sleepy Hollow; il s'agit de cette jeune fille blonde, délicate, qui dessine des pentagrammes pour protéger l'homme qu'elle aime et qu'on veut faire périr grâce à la magie noire

Le roman Sleepy Hollow est contemporain de Giselle, il a été écrit en 1820

Il oppose lumières et ténèbres, mysticisme, foi, magie noire; il est dans la mouvance de toute cette littérature qui naît dans un siècle qui n'en peut plus des Lumières et de l'esprit scientifique qui s'oppose à la Foi.

 

Comme  la Giselle de Ould Braham, Katrina van Tassel a sa blondeur, son angélisme, son amour qui triomphera du mal.

 

Ould Braham-Heymann- Giselle- 14 juin 2016

Un grand merci à Joelle Bonnet pour le prêt de ses photos!

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12 juin 2016 7 12 /06 /juin /2016 17:17
photo svetlana Loboff

photo svetlana Loboff

J'ai revu cette même interprète le 14 et l'impression a été toute autre! compte rendu à suvire d'ici quelques jours; celui-ci ne parle que de la représentation du 10 et n'est pas du tout conforme à mes impressions du 14; cela veut dire que des artistes de cette trempe sont capables en trois jours, de faire considérablement évoluer leurs personnages!

 

Myriam Ould Braham est une Giselle  classique :  timide, candide, douce et pleine de tendresse pour sa mère et pour le prince (Mathias Heymann) qui lui rend visite,  elle repousse avec douceur Hilarion et semble presque s’excuser de ne pouvoir l’aimer ; elle est si délicate qu’on ne s’étonne guère qu’après avoir appris la trahison d’Albrecht, elle perde l’esprit et le contact avec le monde réel. Malgré une danse d’une grande beauté dans laquelle toutes les qualités citées sont apparentes,  Ould Braham me convainc moins en Giselle qu’en Nikya cet hiver ;  son personnage est plus en retrait, mais  malgré tout,  jolie et naturellement gracieuse, Myriam Ould Braham est délicieuse en scène.

Sa scène de la folie reste assez sage et sa mort aussi ; elle nous raconte une histoire, elle le sait et nous aussi ; c’est sans doute la raison pour laquelle nous restons donc en lisière de celle-ci, conscients que nous sommes au spectacle. 

A ses côtés, Mathias Heymann avec sa danse vive, moelleuse et son sourire plein de candeur  est un jeune homme fougueux, fou-amoureux de sa Giselle mais aucunement un prince ; rien ne le différencie vraiment des vendangeurs qui rentrent le soir au village ; il est   simple, spontané, sans autorité ni  majesté ; un peu du Roméo de ce printemps est resté accroché à lui ; son face à face avec Hilarion est à son désavantage car c’est Vincent Chaillet/Hilarion, le garde chasse, qui a largement le dessus même si celui-ci s’éclipse comme le veut la mise en scène. 

 

Le couple Albrecht/Giselle est  un couple qui s’aimera dans la mort comme il s’est aimé dans la vie, avec une sincérité absolue. Au second acte, Giselle accompagne de sa tendresse son cher Albrecht qu’elle protège de toute la force de son cœur ; moins ombre que bonne fée bienveillante, ses variations ne se teintent nullement de mystère ou de la solitude poignante dans laquelle la mort a jeté Giselle en la séparant de ceux qu'elle aimait. En sortant de la tombe, elle est restée celle qu'elle était dans le monde des vivants : aimante, douce, bienveillante, prenant soin de ceux qu'elle aime.

 

A ses côtés, la Myrtha de H. Bourdon fait  peur ! Gare à celles de ses Willis qui ne lui obéiraient pas ; ses grands jetés sont dansés en force et manquent d’immatérialité, de même que les petits pas glissés du début, trop terrestres. Elle pointe ses doigts vers le sol avec la brutalité de la fée Violente dans la Belle. C'est une façon de voir le personnage : "l'implaccable" Myrtha. Mais cet esprit frappeur ne me séduit pas. Froideur virginale ne signifie pas forcément  sécheresse ou brutalité...

De la sorte, le second acte a cruellement manqué de magie, de mystère, et surtout, de ce souffle romantique qui parcourt l’œuvre de Gautier, Hoffmann ou les premiers poèmes de V. Hugo,  malgré le superbe travail du corps de ballet. 

  

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12 juin 2016 7 12 /06 /juin /2016 16:38
Pagliero-Paquette - Giselle- Opéra de Paris 2016

 

Ludmilla Pagliero – Karl Paquette – François Alu – Charline Giezendanner-  Vincent Chailley- Fanny Gorse

Au premier acte, Ludmila Pagliero est une Giselle vive, drôle, qui ne se laisse nullement intimidée par le beau garçon qui vient frapper chez elle ; loin d’être une amoureuse tremblante,  elle fait preuve de beaucoup d’esprit face à Loys et ne s’en laisse pas compter ; elle surprend, habitués que nous sommes aux viriginales Giselle naïves, timides ou candides qui baissent les yeux ou rougissent ; rien de tout cela chez Pagliero qui est la jeune fille en lisière de la forêt qu’on voudrait tous avoir pour amie – on ne s’étonne donc pas du nombre de celles-ci sur scène ni de voir autant de monde graviter autour de sa maison!  La passion coule dans ses veines, pour la danse mais aussi pour la vie, et c’est précisément cette passion qui, une fois morte, se transformera en un sentiment fort, puissant : le pardon.

Pagliero/Giselle danse comme elle est, avec spontanéité et sans chercher à séduire. Elle a une façon de dire à sa mère : «  Oh, ne t'inquiète pas, tu sais,  je ne faisais que danser quelques petits pas deci delà » irrésistible  de drôlerie. Son personnage est consistant, loin des sentiers battus, vivant, et l'on ressent ce qu’elle vit, on devient ce qu’elle est y compris dans sa scène de la folie tellement convaincante avec pourtant une économie des gestes et des expressions :  comment fait-elle pour qu’au moment où tout le plateau s’immobilise on réussisse à comprendre la faille qui la déchire soudainement, sans crier gare et la fait basculer de l’autre côté ? Dans sa scène de la folie se succède mille états d'âme – elle ne reconnaît plus les gens, sombre dans ses souvenirs, tout à coup rit  les yeux fous et en reculant  heurte Bathilde,  la fuit avec une expression hagarde, cherche sa mère, se rappelle les promesses d'amour et égrène quelque fleur imaginaire, puis sombre dans une douce nostalgie...

Lorsque, simplement penchée vers l’avant, les genoux légèrement pliés et le dos rond, elle reste ainsi sans plus bouger, notre compassion infinie l'enveloppe tout entière.

A ses côtés, Karl Paquette est un prince amoureux, mais réservé ; un peu rêveur, un peu absent, vient-il chercher en  courtisant Giselle à échapper à un profond ennui de vivre ? Pourtant,  lorsqu'il lui jure un amour éternel,  il s’anime vraiment. Sans doute aime-t-il cette jeune fille qui est si vivante, bien plus qu'il ne le sait lui même. Il faudra qu'elle s'effondre sous yeux pour qu'enfin, il réalise la puissance de son amour pour elle.

Leur couple est harmonieux comme l’est celui que F Alu forme avec Giezendanner : quelle bonheur de les voir ensemble ! A peine sont-ils sur le plateau que tout devient léger, lumineux, joyeux !  Giezendanner comme toujours a une danse scintillante, ciselée, raffinée, tellement musicale ;  ses pieds ont une rapidité d'exécution et une délicatesse extraordinaire. La scène est trop petite pour François Alu qui l’emplit tout entier de sa danse est virtuose, puissante, souple, mais surtout tellement vivante.  Ce couple crée un superbe contraste dans l’expression de leur amour harmonieux qui éclate au grand jour avec celui formé par Giselle et Loys qui se cherchent encore. Et mieux encore, ils ne créent nullement un " divertissement" mais participent à la narration du ballet.

L' Hilarion de Chailley fait co-exister en lui une certaine rudesse et un amour dévorant pour Giselle qu’il exprime avec sincérité mais maladresse  et la Bathilde de Marie-Solène Boulet n’a pas son pareil pour se montrer aimable mais vite agacée par la petite paysanne que tout le monde adore.

   

Pagliero-Paquette - Giselle- Opéra de Paris 2016

Au second acte, Pagliero sort de sa tombe comme un esprit qu'on arrache à la nuit et qui s'éveille brutalement, sans savoir où il est. Ses tours en arabesque  irréels, hallucinés, expriment toute l'horreur de la mort. Mais dès la venue d'Albrecht sur sa tombe, la puissance de son pardon la guidera désormais et elle essaiera non seulement de consoler Albrecht mais de guérir la vengeresse Myrtha.  

Dans sa façon  de ployer le buste, d’être toujours légèrement décalée par rapport à l’axe, comme la flamme vacillante d'une bougie qui tremble au moindre courant d'air, d’insuffler un souffle impalpable à ses bras dans lequel le sang ne bat plus, de donner à son visage l’impassibilité des gisants de marbre mêlée d' une tendresse infinie, Giselle-Pagliero dit  son pardon, profond, absolu et son désir de guérir tous ceux qui l’approchent ; aussi n'implore-t-elle pas Myrtha de laisser la vie sauve à Albrecht, mais elle lui dit doucement que la vengeance ne la mènera nulle part, qu’il est d’autre chemin, en égrènant devant elle son bouquet de marguerites, non comme un reproche mais comme une offrande, afin d'éveiller en elle la jeune fille aimante qu'elle fût sans doute  autrefois.

Dans sa dernière variation, sa petite batterie précise, rapide, évanescente tout à la fois, donne l’impression qu’elle vole au-dessus du sol.

A ses côtés, Paquette,  perdu dans un rêve, ne sait pas si tout cela est réel. Dans sa série d’entrechats 6 pointe le désir de mourir lui  aussi pour rejoindre, peut-être, celle qu’il aime. Mais a-t-il jamais aimé vivre?

 

La Myrtha de Fanny Gorse  royale, diaphane, brillante, aérienne, s’élance telle une phalène dans la lumière de la nuit  ;  une autorité naturelle  pointe sous l’éclat et la précision de ses pas, de ses grands jetés, de ses arabesques penchées sur pointe ; sous son diadème qui scintille, elle brille comme un diamant au clair de lune,  et virevolte comme un feu follet qui s'ingénie à égarer les voyageurs perdus dans la nuit.

 Dans les deux actes, le corps de ballet était vivant et en harmonie et c'était un régal pour les yeux.

Koen Kessels a su insuffler aux cordes de l’esprit, aux bois du velouté, mais n’a pas pu tirer grand-chose des cuivres, qui répétaient dans la fosse avant le lever de rideau, l’ouverture des maîtres chanteurs de Wagner… outre, qu’ils couvraient leurs collègues, ils parlaient bruyamment quand ils ne jouaient pas. Assez inadmissibles, quand même !

 

 

Pagliero-Paquette - Giselle- Opéra de Paris 2016

Malheureusement, de là où j'étais, je ne voyais  comme le montre la photo ni la maison de Giselle, ni la tombe, et beaucoup de passages ont laissé pour moi la scène vide; Giselle qui sort de la maison, les Willis devant la tombe, Giselle qui sort de la tombe, Albrecht qui se recueille sur la tombe, etc...cela ne m'a pas empêché de vivre l'une de mes plus belles Giselles!

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14 avril 2016 4 14 /04 /avril /2016 17:43
Roméo et Juliette - Noureev : Gilbert, Marchand, Bézard opéra de paris 2016

Toute autre ambiance avec dans les rôles-titres Hugo Marchand et Dorothée Gilbert.
Au début du ballet,  Roméo/Marchand a du mal  à incarner Roméo. Il danse magnifiquement,  mais aucun personnage n’existe vraiment. C’est un peu la même chose du côté de Gilbert qui incarne une jeune fille trop bien élevée et maîtresse d’elle-même ; elle est trop élégante et trop sage pour être Juliette ; elle  n’a pas  la vivacité un peu brouillonne de l’adolescente de 14 ans qui va prendre son destin en main. Elle est plus princesse que jeune fille qui n’est encore jamais tombée amoureuse.  Hugo Marchand lui donne la réplique sur le même ton, et si on se régale de leur belle danse, on pleure intérieurement l’absence de personnages.  On en vient à leur sur-imprimer Heymann et Baulac, tourbillonnant, un peu brouillons certes, mais au prise avec un amour qui leur tombe dessus et dont ils ne comprennent rien. C’est d’autant plus dommage que le reste de la troupe est très en  forme; les ensembles sont percutants, les rixes menées avec intrépidité. Et  le Tybalt de Bézard est d’une noirceur absolue!  

Du côté de l’orchestre, pas de vie non plus ; cela sonne bien, mais où sont les accents, les changements de direction, la vie, en un mot ? Tout est trop lisse : pas plus de vie dans la fosse que sur scène pour ce premier acte. Est-ce qu’on rentre chez soi ? Non, on attend le deuxième acte  sur son inconfortable strapontin du fin fond de l’orchestre!  

 

Et on a bien fait car au second acte, les danseurs s’emparent peu à peu de leur personnage ; Tybalt/Bézard, poussé par une haine qui le dépasse et qu'il ne comprend pas - corps et   visage déformés par la haine, dos arrondi, marche en crabe, griffes dehors, il a  tout d’un chat enragé, qui écume, aveuglé par la rage -  va mettre un peu de vie sur ce plateau trop sage; Mercutio meurt, Roméo le venge, Tybalt meurt à son tour et  on a plus de   peine pour lui que pour Mercutio !  – car Bézard parvient à nous faire sentir que c’était «  plus fort que lui », qu’il n’est qu’un pauvre jouet dans les mains des Lanceurs de Dés du  prologue du ballet : ce sont eux, le Destin, qui tirent les ficelles ; Roméo  le comprend trop tard : Juliette est déjà là, devant le corps sans vie de son presque frère. Cette fois-ci, la partition est dansée à trois voix, et on comprend qu’aucun des trois n’agit de son propre chef.  Gilbert donne à son désespoir une intensité dramatique contagieuse  avec une gestuelle qui part de l’intérieur ; elle  implose littéralement dans une danse de douleur où le chagrin le dispute à la colère, où l’incompréhension de ce qui arrive lui fait perdre ses repères.  Elle va se consumer de chagrin, là, sous nos yeux. Dorothée Gilbert concentre en elle toute la tragédie de cet fin d’acte : le destin agit en aveugle et même son Roméo en a été le jouet.

 

Au troisième acte, l’intensité gagne encore un cran ; et cette fois-ci, l’émotion emplit tout le plateau ; de l’assassinat du Frère, à l’annonce de la mort de Juliette par Benvolio, de l’assassinat de Pâris, au suicide de Roméo puis de Juliette, tout est à vif et c’est bien dans un état second que le spectateur finit lui aussi.

 

 

En comparant les deux distributions, on se rend compte qu’on a aimé la fougue de Heymann et de Baulac, leur capacité à incarner une jeunesse vibrante, incandescente, qui se  brise sur le drame, et qu’on aime tout autant  la danse tout en finesse et en intensité de Gilbert/ Marchand

On est ravi d’avoir vu Alu, Révillon, Bézard, Dayanova, Romberg donner vie à leur personnage.  Et on se dit qu’on gardera un souvenir plus fort que les Roméo des saisons passés,  exception faite de celui de 1991 qui réunissait Hilaire/Guillem/Jude…

 

Et pour finir, on remercie notre cher Noureev qui nous donne une fois encore envie de relire la pièce…

Roméo et Juliette - Noureev : Gilbert, Marchand, Bézard opéra de paris 2016
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11 avril 2016 1 11 /04 /avril /2016 17:21
Roméo et Juliette - Baulac, Heymann, Alu, Magnenet - Opéra de Paris

Ce dimanche 10 avril, Léonore Baulac a eu la lourde tâche  de remplacer pour ainsi dire au pied levé Myriam Ould Braham, malheureusement blessée, et d’être la Juliette de Roméo-Heymann.  Déçue de ne pas voir Ould-Braham en Juliette, car encore sous le charme de sa Nikya, j’ai été néanmoins surprise par la facilité avec laquelle  la jeune danseuse qui s'adapte  rapidement à toutes sortes de changements, a campé une Juliette de haut vol malgré une certaine fébrilité bien compréhensible au vue du peu de répétitions que les deux danseurs ont dû avoir ensemble.

A vrai dire, il n’a manqué à ce couple charismatique à la danse  vraiment magnifique, qu’un peu plus d’émotion ; celle-ci n’est arrivée qu'assez tard dans le ballet. Et pourtant, ils ont l'un et l'autre tout ce qu'il faut pour ETRE Juliette et Romeo : la beauté, une danse superbe, une incandescence qui vont bien aux deux personnages. Si dans  la redoutable scène du balcon - où il y a un pas sur chaque note, suivant l’habitude de Noureev de mettre musique et chorégraphie en adéquation  et des portés vertigineux - l’effervescence de ces deux adolescents, sur qui l’amour tombe sans crier gare, était toujours un peu au bord de la fébrilité plus que de l’explosion  amoureuse, au troisième acte, l’un et l’autre libérés des grandes difficultés techniques du premier acte, ont incarné leur personnage avec une puissante intensité dramatique.

 Léonore campe une Juliette au caractère bien trempé ;  au premier acte, elle ne tombe pas dans le piège de surjouer une Juliette enfantine ; elle est juvénile, mais a déjà un fort caractère; elle s'affirme dès l'arrivée de ses parents. Au fil des actes, cette affirmation, cette volonté de prendre son destin en main lui donne une gravité et une profondeur qui vont crescendo. Jamais elle ne surjoue la douleur, ou la révolte mais la puissante volonté qui anime la jeune fille est perceptible d'un bout à l'autre de l'oeuvre, même dans son choix de mourir.
Heymann campe un très beau Roméo. Il y a une telle pureté dans sa danse, un tel lyrisme, un tel envol, que cela apporte au personnage une petite touche " elfique" qui ne dessert pas le personnage; un peu de Zaël passe dans son Roméo. Mais il y a surtout beaucoup de générosité, d’intensité et des prises de risque qu’auraient adorées Noureev! Et quel sourire! On comprend que Juliette fonde complètement! Son sourire est à son image : candide, lumineux, offert tout entier! Ses lignes sont superbes, et son style, fidèle à  Noureev, avec tout ce travail de «  desaxage »  par rapport à l’axe du corps.


Il était dommage que  l'orchestre soit dirigé mollement ; certes les pupitres étaient bien équilibrés mais les attaques étaient mollassonnes, les tempis un peu gnian-gnian.   Du coup, les danses de groupes manquaient de peps, et parfois de vie, malgré tous les efforts de la troupe pour déployer celle-ci sur scène. Malgré tout, une sincérité, un engagement de la part des artistes étaient perceptibles sur le plateau mais quelque chose manquait – et pas du fait des artistes en scène - ça aurait pu être plus fort, plus abouti encore peut-être avec plus de répétitions, ou moins de temps perdu à danser le reste de la saison des âneries néo-classiques sans âme ou des créations d’un autre âge ? 

Le  trio
Benvolio/ Mercutio/ Roméo ( Révillon, Alu) opposé à  Tybalt ( Magnenet) racontait bien la même histoire.  Tybalt, un peu trop gentil au début de l’œuvre, trouve son ton au cours du  ballet.  Benvolio/ Révillon avait la  bienveillance propre à ce personnage, et Alu  la vantardise latine et le panache à la Cyrano propre au personnage qui vit toujours en public.  C'est la première fois depuis L. Delanoe  que je vois mourir un Mercutio qui continue au moment de sa mort, tour à tour, de rire et de  grimaçer, laissant jusqu’au bout le public perplexe sur le sens de ses mimiques.  Même quand il s’écroule, on n’est pas sûr qu’il ne joue pas encore. On  adore Alu  quand il est en scène, et on l'attend quand il n'y est plus; encore un peu il volerait la vedette du couple principal! Il n’y a pas à dire : Alu sait incarner ses personnages comme peu de danseurs avec une technique superbe; tous ses pas ont un sens, expriment une idée, un sentiment, une émotion ; tout fait sens ; c’est précisément ce qui manquait un peu à Heymann et Baulac : une danse qui fait sens et qui n’existe pas que pour elle-même, mais sans doute les spectateurs des  mercredi ou samedi prochains auront la  chance de voir des personnages plus aboutis.

La
Rosalinde de Sara Kora Dayanova pleine de grâce, apportait aux scènes sur la place de Véronne une touche d'élégance au milieu de toute cette joyeuse et/ou belliqueuse assemblée ; un personnage pour une fois attachant, alors que d’habitude cette demoiselle fait un peu figure de «  vase décoratif » ;  la nourrice d'Alexandra Cardinale avait, quant à elle,  beaucoup de présence! Elle a autant de cœur que de gouaille et elle aime les beaux garçons! Héhé, la coquine!
Tout au long de ce Roméo,  chacun a apporté sa voix à l'ensemble.
Le drame s'est installé peu à peu, au milieu de la truculence, de la haine, de la rigolade, des combats, des coups bas, de l'amour, des bals, des mascarades, de la misère... et au final, quand les deux amants meurent, quelque chose meurt à ce moment là en nous avec eux...

 

La salle a chaleureusement applaudi les artistes qui rayonnaient sur scène au moment des saluts.

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