Cette Bayadère du 30 décembre a été dominée de bout en bout par un corps de ballet et des ensembles parfois magnifiques (le groupe des 4 danseuses au tutu vert par exemple, les Hindous,  ou les Ombres) –  et aussi par François Alu qui nous a raconté une histoire avec une générosité et un panache exceptionnels. Toute sa fibre artistique s’est mise au service de Solor, qui dès son entrée, nous apparaît comme un jeune guerrier fougueux, autoritaire, mais qui fond d’amour pour Nikya ; pour cet amour absolu, sacré – ne lui jure-t-il pas sa fidélité au dessus du feu ? -   il est prêt à tout perdre si nécessaire : sa position, son rang, l’estime des siens.

François Alu rend tellement clair toutes les scènes mimées qu’il ne nous reste plus qu’à mettre des mots dessus. Ainsi, avec l’esclave  devant le temple : «  Quoi, elle n’est pas là ? Mais qu’est ce que tu as fichu, bon sang, je t’avais ordonné de la prévenir ! Oh, tu ferais mieux de sortir de ma vue avant que je ne m’en prenne à toi ! »

Plus tard, quand le Raja lui impose Gamzatti, alors qu’à plusieurs reprises il lui a tourné le dos, il  toise celle-ci  de la tête au pied d’un regard simple  qui dit : «  bon, je vous ai regardé, mais je ne ferai rien de plus, tenez le vous pour dit! »

Certes, c’est une petite liberté prise avec Solor qui en principe est  séduit par  cette princesse de haut rang et est ensuite tiraillé par les deux jeunes filles, mais le choix  de F. Alu d’un amour absolu voué à Nikya est dansé avec tant de passion qu’on y adhère sans réserve.

Surtout qu’aux côtés du solaire Solor, la lunaire, délicate mais puissante Nikya de Myriam Ould Braham, est tout en retenu, en grâce, en émotion sur le fil.  Continuerait-elle à vivre, cette fille de la lune si Solor, par son feu, sa flamme, son ardeur ne la rattachait pas puissamment à la vie ?  Dès le 1^er acte, elle appartient déjà un peu aux Ombres ; elle est danseuse sacrée par devoir, pas par vocation ;  l’amour du prince est plus important que son  « métier » de danseuse sacrée ; elle fait ce qu’on lui demande, mais  elle voudrait être libre. Ses variations ont été un pur moment de suspension dans le temps ; comment fait-elle pour étirer ainsi le temps, donner autant de poésie à son regard qui flotte sur une danse tout en intériorité ? Nikya a la  sinuosité d’un grand Cobra, et sa force aussi; ses  bras, son buste, ses mains et ses poignets admirables de souplesse respirent une nostalgie indicible, le regret d’un ailleurs qu’elle n’a pourtant pas connu ; mais tout à coup, elle peut devenir tranchante comme une faux et montrer sa puissance, comme la Kalki du panthéon hindoue : par exemple, à la fin de la variation du serpent, lorsqu’elle est sûre que par l’offre des fleurs, Solor lui confirme son amour, sans jouer de ses hanches comme le font certaines ballerines, Myriam Ould Braham désaxe ses bras et leur donne des angles aigus, qui revèlent le feu qui couve en elle qu’elle n’avait encore jamais montré ; on comprend mieux qu’elle ait pu saisir le poignard pour tuer Gamzatti, on comprend mieux que sans l’amour de Solor, plus rien ne la rattache à ce monde. Sa coda est virtuose sans aucun effet superflu. Les pointes sont puissantes mais légères, le regard triomphant et un peu fou, comme le veut ce moment où l’amour lui tourne littéralement la tête ; les mouvements précis, cassant sans être secs ou violents.

 C. Giezendaner était souffrante, je n’ai donc pas vu sa Gamzatti, hélas ! C’est C Colosante qui a eu la lourde tâche de la remplacer au pied levé.

Guillaume Charlot avait affiné son jeu en grand Brahmane, beaucoup plus tourmenté et ambigu que le 18 décembre, et le rajah de Yann Saïz avait la prestance, l’autorité, la bonhommie, la gentillesse, la férocité du personnage aux multiples facettes, suivant les personnes à qui il s’adresse.

Lorsqu’à la fin de l’acte II Solor se jette sur la dépouille de Nikya, il dit à sa fille «  Bon,  ma chérie, il n’y a décidément rien à tirer de ce pauvre garçon, quand je pense que je te l’avais choisi pour mari ! Quelle erreur, allons,  partons, c’est décidément sans espoir ! » ; il ne joue donc pas le Rajah courroucé par un affront, mais plutôt le père qui se dit que décidément non, sa fille ne peut pas épouser un garçon pareil !

Le 3^ème acte fut une perfection, hormis le passage avec le voile, qui décidément cette année aura donné du fil à retordre aux deux Nikyas  que j’aurais vues. D’une manière générale – hormis quand j’avais vu Zakharova – ce passage qui exiger tellement de force dans les jambes ne pardonne pas la moindre perte de l’axe dans les tours ;  le voile cesse alors d’être l’accessoire vaporeux qu’il devrait être.

Pour les trois Ombres, Hannah O Neil a dansé la 1ere comme si c’était le Grand Pas de Paquita,  Viikinkoski n'était pas musicale, ses levers de jambes étaient toujours hors accent,  et Guérineau  semblait éteinte…

Le mot de la fin :

Je ne m’attendais pas à tant de virtuosité de la part de F. Alu dans ce rôle, il faut le voir suspendre ses sauts, tourner sur son axe et arrêter net le tour ou au contraire, ralentir le tour pour mieux repartir ; il faut le voir s’engager dans ses manèges de grands jetés, de sauts, de doubles assemblés avec une énergie maîtrisée ; et enfin, il faut le voir donner ses tripes à Solor ; c’est ce qui m’avait tant manqué avec Kimin, qui est un merveilleux danseur mais qui semblait aussi vivant que mannequin d’un grand magasin… voilà bien un trésor qu’à l’opéra ; un garçon talentueux, généreux, qui rend hommage aux grands classiques avec une ardeur et un amour contagieux.

J’espère que Millepied saura le garder

Quand à Myriam que je n’avais pas vu depuis bien longtemps – souffrante l’année où j’aurais du voir son Aurore, hélas – quelle merveille ! Côté interprétation, elle reste très sobre, et ne surjoue pas son personnage,  mais sa danse est tellement habitée que c’est suffisant pour qu’on croit à sa Nykia. Et surtout, sa danse est si belle qu’on pourrait la suivre du regard pendant des heures, suspendu à chacun de ses pas.

Ces deux artistes ont salué le corps de ballet et c’était très beau de voir les deux rangées d’ombres rendre leurs remerciements

Fayçal Karoui n’a pas réussi comme le 18 à discipliner les cuivres insubordonnés et les bois qui n’ont pas tenu compte de ses indications… je n’ai plus du tout eu l’impression d’entendre le même orchestre qui sonnait si bien  ce jour-là. Fatigue ou lassitude, de la part de ces musiciens, c'est quand même impardonnable de jouer aussi mal!

Photos littleshao et Agathe Poupeney pour l'opéra de Paris

A lire  : François Alu sur ce blog

La danse à tout prix, portrait de quatre jeunes espoirs, dont F Alu

La salle de l’opéra Garnier traverse actuellement une mutation de mauvais augure. Officiellement, c’est pour améliorer la visibilité et moderniser le théâtre.

Officieusement, c’est pour caser dans les 1ères et 2èmes loges de face 30 chaises de plus  - qui coutent 140 euros pour un ballet et 210 euros pour un opéra.

Officiellement, pensent les gens, c’est pour créer plus de petites places à bas prix.

Officiellement, il n’en est rien : il est impossible de caser plus de gens, à moins d’accrocher des fauteuils aux rails des plafonds… qui sait, l’idée va peut être germer ?

Comme tout le domaine de la culture, les budgets ayant fondu ces dernières années, l’opéra dont le coût de fonctionnement annuel est de 200 millions d’euros et qui peut compter sur des recettes de 80 millions d’euros est donc prêt à faire le sacrifice de loges d’une grande beauté qui donne à la salle une harmonie incomparable pour un gain de 200 000 euros  sur toute une saison? Ça parait ridicule, risible, c’est pourtant à ce prix-là qu’on a massacré les loges de face.

Une pétition a été lancée par forum-opéra et une autre par notre forum de danses. Quand on lance ce genre de pétition, il faut s’accrocher… que d’agressivité on reçoit alors….

D’abord, peu de gens répondent à l’appel, et cela, je le comprends fort bien… on ne peut pas soutenir toutes les causes, et pour certains, la salle Garnier est loin de leur quotidien de leur vie…

Mais il y a les autres ; les danseurs, les musiciens, les journalistes, les mécènes, ceux qui fréquentent régulièrement les salles de spectacles.

Et bien ceux-là font soit la sourde oreille, ou bien y vont de leur «  Il est temps de moderniser l’opéra Garnier » ou encore «  Vous faites toute cette pression sur le pauvre Lissner pour trois cloisons qui sont remises dans la journée ! » ou encore «  Attendons de voir, pas la peine d’hurler avec les loups »

Mais non, on ne  hurle pas, on alerte simplement avant qu’il ne soit trop tard.

En réfléchissant un peu, on réalise alors que si le sort des loges de face importe peu, c’est parce qu’elles véhiculent une image de luxe, de privilège, et surtout, dans l’esprit de certains, l’image  de cette société privilégiée du 19^ème siècle qui s’amusait quand le peuple travaillait… et oui, la salle a été commencé sous Napoléon III mais c’est sous la quatrième république qu’elle a été inaugurée.  Et comme aujourd’hui, il y a toujours eu des places à tous les prix…

Il faudrait alors faire comprendre que :

1. Nous non plus, nous n’allons jamais dans ces loges, bien trop chère pour nous ! Ce ne sont pas nos « privilèges » que nous défendons mais un patrimoine à renommée internationale. On peut aller à l’opéra Garnier pour 25 euros et y voir correctement.
2. La salle est classé monument historique depuis 1923, aussi bien intérieur que extérieur et il n’est en principe pas possible d’y apporter des modifications sauf en cas d’extreme nécessité :

Là on se dit : la nécessité de gagner 200000 euros en plus sur les 80 millions d’euros de recette, en est ce vraiment une si c’est pour faire un tel carnage ?

3. Nous ne défendons pas plus un monde d’autrefois, un passé de luxe,  et ce n’est pas par passéisme ou par nostalgie que l’on désire préserver la salle ; c’est par bon sens ! pourquoi détruire l’harmonie d’un tel lieu pour y créer du pire ?

Pourquoi amener à tout prix du changement si c’est pour que cela soit plus laid (poutre, vis, rail, grosse colonne orange, tapis endommagés), plus inconfortable (plus de monde par loges) tout aussi cher, et pour qu’on y voit encore moins bien ( spectateurs de devant plus nombreux qui masquent la vue à ceux de derrière, colonne qui bouche la vue des malheureux des 2^ème et 3^ème rang)

Mais, nous dit-on encore, les trois cloisons sont remises dans la journée !

Alors nous répondons :

1. Non, les 15 cloisons ne sont pas remises dans la journée, et vu l’état des rails, aucune des trois cloisons ne voudra coulisser là-dessus à moins de lui donner des grands coups de marteau
2. Et puis, il n’y a pas que les cloisons, il faut remettre les miroirs, les tables pliantes, les divans rouges pour restituer ce mobilier qui créent la magie du lieu ; les miroirs par exemple, absents de toutes les loges, diffusaient une lumière rougeoyante sur toutes les loges de face.
3. Quand bien même les 15 cloisons existeraient, croyez vous qu’il y aura des techniciens pour les remettre chaque soir et les démonter chaque matin  alors que Garnier est déjà en manque de personnel?
4. Et enfin, pourquoi faudrait-il en tant que spectateur s’habituer à l’enlaidissement d’une salle qui montre à présent ses entrailles béantes, ses rails, ses colonnes et ses gros plafonniers blancs ? Quel choc quand on voit tout cela ! Seuls donc les visiteurs auraient le privilège de voir la salle telle qu’elle a été conçue par Charles Garnier ?

A en croire les uns, il ne s’agit que de moderniser, d’améliorer la visibilité, de créer des places moins chères.

Mais dans la réalité, - j’y étais le 27 octobre et le 8 novembre – tout est enlaidi, les gens sont plus entassés dans les loges car il y a  plus de sièges, et tout cela dans un état de délabrement tel que….

Que certains mécènes, en voyant l’état des loges le jour de la réception annuelle donnée en leur honneur en septembre, ont juré, furieux, horrifiés,  qu’ils ne donneraient plus leur argent s’il devait servir à cela !  (On les comprend !)

Et voilà quelques dizaines de  milliers d’euros supplémentaires qui s’envolent grâce au magnifique sens de la gestion de monsieur Lissner….

Toutes les photos ont été prises par moi même

Si vous voulez soutenir la préservation de l'opéra Garnier dans toute sa splendeur, signez la pétition à Fleur Pellerin en cliquant sur le lien!

Merci d'avance pour cette salle unique au monde et pour Charles Garnier!

Cette soirée consacrée à Anne Teresa de Keersmaeker, dite ATK, commençait par Quatuor (Hilaire, Park, Bauchmon, Ranson), sur une musique de Bartok.

J’avais été mise en appétit par une petite vidéo postée sur le facebook de l’opéra de Paris qui montrait les quatre demoiselles de près dans le passage le plus réussi du Quatuor… je me suis fait avoir, mais je ne le regrette pas. Malgré l’insipidité du propos, les filles arrivent à tirer leur épingle du jeu ; Hilaire est sensuelle à souhait, Bauchman, puissamment lyrique, Ranson, diaphane et aussi précieuse qu’un Sèvre, et Sae Eun Park, c’est le feu qui couve sous la glace. Avec sa silhouette tellement fine, et sa grande pudeur et retenue quand elle danse, elle cache un tempérament incroyablement fougueux et puissant, comme un volcan en sommeil ; la voir dans ce répertoire était magique.

Contrairement à ce que j’ai lu à droite et à gauche, la construction est scolaire, poussive, et très peu inventive. Beaucoup trop longue aussi. ATK s’acharne à dire en 30 minutes ce qu’elle pourrait dire en 10 et comme si cela ne suffisait pas, il faut qu’elle rajoute ensuite d’une façon systématique des moments dansés dans le silence ! C’est tellement tendance depuis les années 1980 !

Donc entre chaque mouvement (et il y en a cinq) on a de longs passages dansés en silence, où on sent les filles sur le fil du rasoir, pas à l’aise, bref, des moments pénibles !

D’ailleurs l’œuvre commence dans le silence, puis, tour à tour, chaque fille va être meneuse dans le groupe, chacune sur un mouvement, en fonction de sa personnalité, et ensuite, - comme il y a cinq mouvements en tout – on redit la même chose mais toutes ensemble sur le cinquième.

La scène est sagement utilisée : en long, en large, en travers ! Comme c’est inventif !

Il faut donc beaucoup de patience au spectateur pour qu’il ne s’ennuye pas ferme pendant ces trente minutes de redites, où l’on voit une bande de gamines, sauter, marcher, courir, faire des galipettes, montrer sa culotte ( une fois, deux fois, trois fois, dix fois ! N’ayons pas peur de le refaire encore et encore !) ATK se croit sans doute investie d’un talent à  la Steeve Reich dont elle ne donne hélas qu’une pâle copie ; tout le monde n’a pas assez de génie pour tenir en haleine un auditeur ou un public avec un minimum de moyens, comme c’est le cas ici !

C’est sans doute grâce au charisme des danseuses que j’ai pu m’intéresser malgré tout à la vacuité de ce propos ; il faut dire que les demoiselles mènent le dernier mouvement tambour battant et que du coup, il se passe enfin quelque chose : on dirait que tout à coup, tout prend vie, devient vivant et authentique : il était temps, 28 minutes ont déjà passé !

Pour ne rien arranger, on sentait les danseuses quelques peu stressées, parfois crispées, et du coup, souvent peu synchrones.

A noter que les musiciens, dont le rôle est quand même ingrat, ont donné du relief et de la vivacité à ce quatuor de Bartók  (  E. Lacrouts, Gulot, Lenert, C Lacrouts)

Voilà qui ne mettait guère en appétit pour le morceau suivant, « Grosse Fugue », un quatuor de Beethoven. D’ailleurs, un public froid, qui n’applaudit pas, et fait des remarques à haute voix sur l’insipidité du propos, des éclairages et des costumes !

Après la cour de récréation, la sortie de bureau. Mais là, attention, on change  de  « niveau ».

Il faut tout le génie des danseurs de l’opéra pour rendre une fois encore intéressant une sempiternelle répétition de bonds et de roulades au sol, par des gens en costumes cravates qui finiront en tee shirt. Encore un peu on entendrait Zebda «  Tomber la chemiiiiise !! »

Pauvres genoux des danseurs !

Là non plus, pas une grande inventivité ; mais la vélocité, la fulgurance, la félinité, de Renavand,   Paquette,   Magnenet,   Bullion,   Chailley, Paul, Couvez et Gasse pour nous emporter dans ce petit «  délire » de fin de semaine où enfin on se lâche ! ça  « hip-hoperait «  presque à certains moments, mais sans la casquette à l’envers quand même ! C’est beaucoup plus «  smart »  -  ( Note : B M ne communique qu’en anglais sur son facebook, il faut bien que je m’y mette !)  La joie des danseurs  et leur plaisir sur scène est réellement communicatif et on partage leur petit grain de folie pendant ces trente minutes ; est-ce ce qu’a voulu ATK ? Si tel était son désir, alors on peut dire que c’est une vraie réussite ! La jeunesse et l’impétuosité de cette bande, menée tambour battant par l’irréelle Alice Renavand au visage, à la chevelure et à la silhouette parfaites, nous met dans un véritable état d’allégresse !

Après cette pièce, la moitié de la salle a gardé les bras croisés en guise d’applaudissement, et un bon dizième n’est pas revenu !

Et ils ont eu raison : le pire restait à venir !

Nous servir cette soupe de Verklarte Nacht, digne d’un roman de Barbara Cartland, sur la musique rendue complètement sirupeuse dans sa version pour orchestre du sextuor de Schoenberg avait de quoi faire prendre la danse en grippe !

Dès le début, ce ne sont que jérémiades de filles par terre – la Gillot s’en donne à cœur joie, et qu’est ce qu’elle le fait bien ! -  et de garçons qui les repoussent

Elles se jettent à leur cou, ils les repoussent, elles se roulent par terre…. Et cela pendant au moins 30 minutes !

J’avais déjà vu des pièces analogues au théâtre de la Ville dans les années 1990. Ces choses enfièvrées et échevelées ou tout le monde se secoue dans tous les sens dans une hystérie collective de mauvais goût.

Même commentaire que précédement, ces danseurs sont tellement extraordinaires qu’on est fasciné par eux, et non par ce qu’ils dansent ; on ne savait pas que les corps pouvaient se tordre jusqu’au bord de la rupture, ni les corps se tendre jusqu’à l’infini…. En revanche, les cheveux qui volent ici et là, on y a déjà eu droit il y a bien longtemps dans la terrible scène où la pauvre Mélisande se fait maltrairer par l’infâme Golaud !...

N’empêche, ces danseurs de l’opéra de Paris, ils sont fascinants, et c’est parce qu’ils le sont que je me suis décidée à aller voir ce programme ; quatre mois sans les voir sur scène – je ne suis pas allée à la soirée mixte du début de saison – cela crée un manque terrible, et il fallait bien que je les revoie pour que ce manque se comble un peu.

Et à la fin de cette histoire qui se passe dans la forêt, les violoncelles « vibratent » à en faire trembler le plafond de Chagall, - ils font même concurrence au métro qui fait trembler le sol -  le chef ( excellent Vello Pahn) décolle en fusée, tout le monde s’aime : alleluia !

Je suis ressortie de là en même disant qu’ATK n’a pas sa place à l’opéra de Paris ; la grandeur de la scène la dessert, le manque d’intimité aussi ; on est trop loin des danseurs, la salle est trop grande pour que cela serve son propos.

Après, il reste de fugitifs moments, où le visage bouleversant de Letizia Galloni se fige dans notre mémoire,  - on la verrait bien dans la compagnie d'Alvin Ailey, du temps de sa splendeur, car elle a la puissance, l'élégance, et ce délié du corps propre aux anciens danseurs de cette illustre troupe, telle J Jamison - où les blondeurs conjuguées de Paquette et Baulac se mêlent comme en un rêve, ou la puissance de MA Gillot, véritable Ovni de la danse, nous fige sur place… quelle incroyable danseuse…!

J'avais pris deux places, mais je ne sais pas encore si je retournerai voir ce programme dimanche prochain; si j'y retourne, je partirai à l'entracte, c'est sûr!

Le ballet de José Martinez, empli de poésie est une œuvre extrêmement généreuse de part ces nombreux clins d’œil et référence au théâtre, au cinéma, au film et à la danse elle-même et les multiples chorégraphes que Martinez a rencontrés au cours de sa carrière; ces Enfants du Paradis font plaisir à voir, à revoir, même si d’un point de vue personnel le ballet néo-classique en remplacement de l’inénarrable répétition de l’auberge des Adrets et de ses trois auteurs puis de la représentation qui en suivra fait sortir le spectateur de l’histoire. Il est difficile ensuite de reprendre le fil de l'intrigue après les 10 ou 15 minutes de ce long passage.

Autre bémol, le manque visible de liberté que José Martinez a eue pour sa création, car obligé de se plier à la scénographie de François Roussillon – qu’on connaît pour ses documentaires sur la danse – qui elle-même suit pas à pas le film, peut-être par obligation.

Enfin, dernier double bémol, les scènes de mime un peu trop nombreuses pour le rôle de Baptiste à qui on aurait aimé voir confier une variation dansée supplémentaire.

Il n’en reste pas moins qu'on est sous le charme  d’une poésie qui se déploie au fur et à mesure comme le parfum du jasmin dans l'air des soirs d'été.

Les plus de ce ballet sont le langage chorégraphique qui personnifie magnifiquement chaque caractère  : lyrisme, cruauté, honnêteté, truculence, esprit calculateur, mesquinerie, petitesse dans la grandeur,méchanceté, douceur et faiblesse,  il est facile de reconnaître  chaque personnage du film pour lesquel Martinez a fait du sur mesure.

Cette année, il fallait accepter de se priver d’Isabelle Ciaravola dans le rôle de Garance. La distribution que j’ai choisie présentait de l’excellent et du moins enthousiasmant.

Vu il y a maintenant quinze jours, mais n’ayant pas eu le temps d’écrire le compte rendu pour diverses raisons, il me revient tout de suite à l’esprit  le lumineux Karl Paquette, qui décidément aura tout fait cette année, y compris revêtir le costume du lion pour le plus grand plaisir du public! Il n'y a que lui pour mettre en joie 2000 personnes, rien qu'en se costumant en lion!
Et il faut le voir s'envoler dans le ballet néo-classique et y déployer une technique solide, brillante, enthousiasmant de sa présence solaire toute une salle sous le charme.

Après son merveilleux Lucien dans Paquita, le retrouver dans un rôle aussi truculent est un vrai bonheur. Karl Paquette continue à donner beaucoup à son public qui l’aime de tout son cœur ; sans doute l’un des artistes les plus populaires actuellement à l’opéra de Paris.


Ganio est parfait en Baptiste , qui malheureusement n'est pas assez " dansant"; une ou deux variations supplémentaires au lieu des scènes de mime auraient été bienvenues,  car celles-ci directement sorties du film, font un drôle d'effet dans ce contexte; elles sont un peu fades, un peu longues, parce que JL Barraut est juste inégalable,  - et quand bien même on ne l'aurait jamais vu, il n'en reste pas moins que le mime filmé de près ne peut donner la même chose que celui-ci réalisé sur une grande scène de danse au milieu d'un ballet.   On regrette de ne pas voir autre chose que ce que l'on connait déjà ;  malgré cela, Ganio n’a pas son pareil pour susciter de la compassion pour son amour contrarié, ou nous faire ressentir les affres de l’amour dans le pas de deux final.


A ses côtés, un Lacenaire extraordinaire en la personne de Vincent Chaillet qui s'effile comme la pointe d'un couteau, est capable de  se recréer en deux dimensions pour  glisser comme une ombre inquiétante,  se montre cinglant,  ou brillant, génial ou vaniteux. Un personnage fait  de génie et de cruauté.
Un rôle sur mesure pour lui où il déploie une technique brillante et un jeu de haut vol

Zusperreguy,  incarne Nathalie avec vérité, émotion et finesse de jeu.  Il y a une toute petite scène avec elle, Ganio et un enfant de l’école de danse qui en quelques glissades évoque tout le  bonheur familial.  On m’a dit le plus grand bien de Mélanie Hurel dans le rôle, et je regrette de n’avoir pas vu une autre distribution pour voir cette belle artiste trop rare à mon goût.

Je n'ai pas du tout aimé la proposition de Pujol en Garance qui, trop effacée, trop douce, ou trop enfantine,  a du mal à faire un vrai choix pour incarner son personnage ; il est difficile de croire à son amour pour Baptiste;   sa relation avec F Lemaître ou avec le comte n'est guère plus convaincante. Ciaravola manque beaucoup dans ce rôle et on se fait la remarque que sans elle, les enfants sont bien orphelins.
La danse est belle, fluide, virtuose, comme souvent, mais on dirait qu'elle n'ose pas être Garance,  peut-être tout simplement pas fait pour elle.


La madame Hermine de S Romberg n'est pas non plus  formidable,  le jeu est trop appuyé; même commentaire pour le Comte de Benjamin , fade et pas assez hautain (quel contraste avec son excellent Mr de GM d'il y a un mois!

 

Le premier acte est joyeusement enlevé avec une troupe soudée, et malgré une scénographie très scolaire qui s'emploie à reproduire trop fidèlement le film, on se laisse très facilement emporté par toutes ces petites scènes qui se succèdent assez rapidement et  auxquelles Martinez insuffle beaucoup de vie.
Le second acte manque de ressort à tous points de vue, du fait de cette sorte d'alliance ratée entre les différents protagonistes de la distribution de ce soir là. Pech n’est pas assez présent, Garance non plus ; comme il s’enchaine au ballet néo-classique, on sort tout à fait de l’histoire et on devient spectateur du spectateur qu’on est….

Bien qu’ il n'ait pas du être facile pour Martinez de composer quelque chose de fluide sur un canevas  rigide, le chorégraphe en variant les clins d’œil multiples, les hommages et en exportant souvent le ballet hors de la scène a créé un propos inventif, sensible, parfois joyeusement désordonné  comme peut l'être un plateau de cinéma. Joli clin d'oeil que d'être   accueilli  par les personnages dès notre arrivée, de voir les tracts tomber du plafond pour nous annoncer à l'entracte  Othello dansé dans le grand escalier pendant que le ballet narratif est   répété sur scène avec Martinez himself en maître de ballet, ou de voir Garance traverser toute la salle pour disparaître loin de Baptiste par l'entrée des spectateurs à l'orchestre. Les pas de deux sont  vraiment superbes, poignants, les variations et les tableaux regorgent de vie et de créativité, les actions se superposent parfois dans un même espace, et cela très habilement:  que d'idées pour une seule oeuvre! On aimerait le voir créer d'un bout à l'autre autre chose rien que pour le plaisir de le voir libre et sans contrainte..

La musique, plaisante, a dû elle aussi se plier à la scénographie ce qui lui donne un petit côté collage musical comme dans les «  musicals », mais elle suit agréablement le ballet.
On regrette en sortant de n’avoir pas vu une autre Garance, et un découpage du film un peu plus libre afin que  tout le talent  des danseurs et du chorégraphe, José Martinez soient mieux exploités.

Tous à l’Opéra !

Quelle belle initiative que de permettre à un large public de visiter les deux théâtres nationaux – Garnier et Opéra Bastille -  d’assister à des projections, et à une répétition publique !

Cette année, ces visites étaient ouvertes à tout le monde; et nous espérons que l'an prochain, la même initiative sera reprise!

Je désire à travers cet article remercier particulièrement le technicien qui nous a accueilli si gentiment le samedi 9 mai  - hélas, j’ignore son nom - pour nous conduire à travers tous les méandres de ce monstre qu’est l’opéra Bastille et qui a répondu gentiment à nos questions.

Ce jour-là, la visite était assurée par le personnel technique de Bastille, tous bénévoles et heureux et fier  de nous montrer leur lieu de travail qui est l’envers du décor.

C’est toujours impressionnant de découvrir un monde d’un tel gigantisme !

On apprend ainsi que la scène est modulable à volonté en profondeur, et qu’elle s’adapte à chaque production.

Tout est créé sur place : décors, costumes, accessoires. Les ateliers sont immenses, des couloirs et des couloirs les relient les uns aux autres.

L’opéra ne  possède  que son ballet et son chœur d’opéra. Il a aussi pour le faire fonctionner une foule de techniciens, de costumiers, de perruquiers, de maquilleurs, de peintres, de sculpteurs, de décorateurs, d’habilleurs, de teinturiers, tous issus d’écoles prestigieuses.

  Ici, tout est immense mais tout est  pourtant fait dans le détail et la minutie : ainsi, on assiste médusé, à la pose un par un de cheveux naturels pour confectionner une perruque à la Louis XIV.

Soixante dix corps de métiers font fonctionner le monstre Bastille : cela va des techniciens de plateau, à ceux de la régie sons et lumières, des artistes aux  couturières,  des teinturiers aux coiffeurs, des agents comptables aux secrétaires, des attachés de presse aux ouvreurs, etc, etc, etc, comme disait le Roi dans Anna…

On apprend enfin que l’opéra rêverait de se doter d’une école afin de former directement des élèves à tous ces métiers en relation directe avec  la scène. On ne peut rêver d’un endroit plus inspirant que ces deux théâtres aux volumes impressionnnants. On se doutait bien que des lieux comme ceux-ci «  ne fonctionnent pas tous seuls » mais à présent, on aura un regard bien différent lorsque l’on reviendra voir un spectacle.  Et on se dit qu’il est bien dommage que tous ces métiers annexes ne soient pas connus ou présentés plus souvent au  «  grand public ».